Wie Hollywood die Spielebranche erobert und umgekehrt
Große Geschichten enden selten im Abspann. Wenn das Licht im Kinosaal angeht, setzt bei gelungenen Geschichten schnell das Bedürfnis ein, weiter in der geschaffenen Welt zu verweilen. An dieser Schnittstelle bietet sich die perfekte Gelegenheit für die Gaming-Branche, an narrativen Universen, Charakteren und Soundkulissen aus Hollywood anzuknüpfen.
Was in den 1980er-Jahren mit einfachen 8-Bit-Umsetzungen auf Heimcomputern begann, hat sich zu einem hochkomplexen Lizenz-Ökosystem entwickelt. Die 90er-Kinder unter uns kennen alle die frühen Versuche um Indiana Jones oder Ghostbusters. Heute gehen Lizenz-Umsetzungen natürlich nicht nur technisch deutlich weiter.
Warum Lizenzen funktionieren
Egal, ob storygetriebene Action-Adventures, mobile Handy-Games oder thematische Online-Slots; Entwicklerstudios stehen vor einem grundlegenden Problem. Der Markt ist übersättigt und die Aufmerksamkeitsspanne des Publikums sinkt. Eine etablierte Marke hilft, die Einstiegsbarriere radikal zu senken. In der Kognitionspsychologie spricht man hierbei vom sogenannten Mere-Exposure-Effekt. Dinge, die uns bereits bekannt sind, wecken positive Assoziationen und schöpfen Vertrauen.
Ein Spiel zu einem bekannten Franchise braucht keine langen Erklärungen. Der potenzielle Käufer sieht den Schriftzug von Jurassic Park, das ikonische Bat-Signal oder hört den Klang eines Lichtschwerts und schon ist klar, worum sich das Spiel dreht.
Für Publisher kann ein solches Prinzip wirtschaftlich überlebenswichtig sein. Laut Film-Marktanalysen spielen Franchises für die globale Entertainment-Industrie eine immer größere Rolle. Gerade auch durch Cross-Media-Marketing generieren etablierte Franchises ein Vielfaches der Nutzerbindung im Vergleich zu völlig neuen IPs. Die Marke trägt den Film, der Film das Spiel und in Kombination verlängern sie die Lebensdauer der Marke als solches.
Technische Evolution des Storytellings
Lange Zeit galten Spiele zum Film als billige Werbe-Gimmicks mit mäßiger Qualität. Einige von uns werden sich noch an McDonalds-Computerspiele aus den 90ern erinnern. Diese Phase ist (zum Glück) überwunden. Heute arbeiten Spieledesigner mit den Original-Assets der Filmstudios. So kommen hochauflösende 3D-Modelle, Original-Sprachspuren der Hollywood-Schauspieler und orchestrale Soundtracks zum Einsatz.
Dabei lässt sich die Symbiose in drei wesentliche Ebenen unterteilen:
- Audiovisuelle Immersion: Soundtracks von Komponisten wie Hans Zimmer oder John Williams werden dynamisch an Spielszenen angepasst, um Spannungsbögen punktgenau zu unterstützen.
- Charakterbindung: Bekannte Protagonisten und Antagonisten fungieren als visuelle Ankerpunkte, die das Spielerlebnis narrativ leiten.
- Mikro-Storytelling: Auch Genres abseits von 60-stündigen Rollenspielen nutzen Filmszenen, Soundeffekte und animierte Zwischensequenzen, um Höhepunkte dramaturgisch aufzuladen.
Wer unsere News-Section aufmerksam verfolgt, erkennt schnell, dass sich Kinotrends ganz häufig binnen weniger Monate in anderen interaktiven Formaten widerspiegeln. Das gilt quer durch alle Genres, vom dystopischen Sci-Fi-Szenario über Retro-Waves der 80er-Jahre bis hin zum Fantasy-Epos. Entwickler greifen Trends, die sich abzeichnen, heute schon lange vor dem Kinostart auf.
Wenn der Einfluss die Richtung wechselt
Ein interessantes und eher neueres Phänomen ist der Cross-Media-Einfluss in die andere Richtung. Immer häufiger sehen wir Verfilmungen von Games, zu denen es weder Buch- noch Filmvorlage gab. Der Erfolg von Verfilmungen wie The Last of Us, Fallout, Sonic the Hedgehog oder kürzlich sogar des Indie-Games Exit 8 beweist, dass Gaming-Mechaniken und Spielwelten auch die Filmindustrie maßgeblich inspirieren können.
Man könnte sogar so weit gehen zu sagen, dass ein geschlossener Kreislauf entstanden ist. Ein Film etabliert Figuren, Spin-offs und digitale Spiele vertiefen das Universum im Alltag der Nutzer. Gleichermaßen schöpfen neue Leinwand-Adaptionen Inspiration aus der interaktiven Lore.
Der entscheidende Wendepunkt liegt im Ausgangsmaterial. Frühere Videospiel-Adaptionen der 90er- und Nullerjahre scheiterten oft am übertriebenen Trash-Charme oder dem mangelnden Verständnis für das Quellmaterial. Ausnahmen wie Blade Runner von den Westwood Studios im Jahr 1997 oder Indiana Jones and the Fate of Atlantis waren eine gefeierte Seltenheit. Heute sitzen Regisseure am Steuer, die selbst mit Controllern aufgewachsen sind und haben die früheren Ausnahmen zum Industriestandard gemacht.
Statt Spielwelten nur als flache Schablone zu nutzen, übersetzen moderne Produktionen komplexe Spielmechaniken, Easter Eggs und Lore-Tiefe in cineastische Kammerspiele und epische Serienformate. Das Resultat ist dann weit entfernt von einem simplen Fan-Service-Produkt. Es geht vielmehr um Prestige-Fernsehen, das Kritiker und Gamer gleichermaßen überzeugt.
Fazit zu Kino trifft Gaming
